ARTE, TECNOLOGÍA Y CIENCIA. PRÁCTICAS ARTÍSTICAS EN LA ERA ELECTRÓNICA Y DIGITAL

La cultura contemporánea se caracteriza por una creciente importancia de la tecnociencia en nuestra sociedad. A lo largo de todo el siglo XX y del siglo XXI, la ciencia y la tecnología han producido importantes transformaciones en todos los ámbitos de lo social, modificando rápida y dinámicamente también el mundo del arte y la cultura. En este contexto, es cada vez más frecuente encontrar prácticas artísticas que se hibridan con la ciencia y la tecnología, desafiando no sólo la noción tradicional de arte y sus fundamentes estéticos tradicionales, sino también la noción de artista, la de creatividad, la de espectador y los modos en que éste se interrelaciona con el objeto artístico. El propósito de este curso teórico es ofrecer una introducción panorámica y en perspectiva histórica a las diferentes intersecciones entre arte, ciencia y tecnología que se han visto potenciadas a partir de la introducción de las tecnologías de información y comunicación en todos los ámbitos de la sociedad. Intersecciones que se manifiestan en la actualidad en prácticas como el software art, el locative media art, el bioarte, el arte robótico, las prácticas de ubiquitous computing o Realidad Aumentada, pero que tienen su origen en el desarrollo tecno-científico II Guerra Mundial y que se han ido desarrollando y penetrando en los campos artísticos mediante prácticas como la cinética y la luminotecnia, el videoarte, el computer art, el Game art, la Realidad Virtual o el Net.Art.

DIRIGIDO A:

Artistas, historiadores del arte, gestores culturales, comisarios, humanistas y todo tipo de públicos interesados en el arte contemporáneo y los nuevos medios, así como en las prácticas artísticas más recientes e innovadoras.

OBJETIVO:

A través de este curso el alumno:

• Obtendrá una panorámica sobre las más relevantes intersecciones entre arte, ciencia y tecnología, con especial incidencia en las artes digitales actuales.

• Conocerá un amplio rango de obras y proyectos, artistas y debates surgidos entorno a las intersecciones entre arte, tecnología y ciencia, a lo largo del siglo XX y especialmente en la época contemporánea.

• Aprenderá a construir un contexto adecuado de interpretación de este tipo de prácticas que conecte con las largas tradiciones de la historia y teoría del arte, la historia y teoría de los media, así como los estudios e historia de la ciencia y tecnología actuales.

• Aprenderá a establecer puentes de comunicación entre diferentes ámbitos de conocimiento tecno-científico y artístico-humanista: hacia una reflexión y un nuevo humanismo que de cabida a los retos actuales de la práctica artística y cultural.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Marisa Gómez

DURACIÓN: Octubre 21 – Diciembre 16 de 2015

INSCRIPCIONES: Hasta 16 Octubre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1. Intersecciones entre Arte, Ciencia y Tecnología. Un Contexto.

1.1. Las Dos Culturas y la Tercera Cultura: ciencias de la complejidad 1.2. La Revolución Industrial y la Máquina 1.3. La Revolución Visual. Arte, estética y Medios Tecnológicos.

Sesión 2. Hacia un Arte Híbrido. Artes Cinéticas y Luminotécnicas

2.1. La Exploración del Movimiento: Del Futurismo al Op Art 2.2. La Exploración de la Luz: De la Música Visual al Light Art 2.3. Arte Lumino-Cinético 2.4. Experimentación Sonora.

Sesión 3. La Imagen en Movimiento en la Era Electrónica

3.1. Orígenes y Fundamentos del Videoarte 3.2. Contextos: a) Black Mountain College y el Happening b) Años 60. Multimedialidad, Fluxus y la Contracultura c) Años 70. Comunicación y Cine Expandido 3.3. Videoarte: De los orígenes a la Contemporaneidad.

Sesión 4. Hacia una Estética Digital. Arte e Informática

4.1. Computer Art – Cine Calculado 4.2. Software Art e Inteligencia Artificial 4.3. Realidad Virtual 4.4. Arte y Videojuegos.

Sesión 5. Hacia una Estética de la Red. Arte, Internet y Creación Colectiva (I)

5.1. Comunicación a Distancia: Contexto y Antecedentes 5.2. Arte e Internet: a) Historia crítica de Internet b) Net.Art c) Activismo y Artivismo en la Red d) Arte y Telepresencia.

Sesión 6. Hacia una Estética de la Red. Arte, Internet y Creación Colectiva (II)

6.1. La Evolución de la Red e Internet: De la Web 2.0 al Big Data 6.2. Prácticas Artísticas del Nuevo Internet: a) Medios Vocativos b) Realidad Aumentada y Mapping 3D c) Estética de Datos d)Computación Ubicua.

Sesión 7. Reinventando el Hombre y la Naturaleza.

7.1. Arte y Robótica: a) Arqueología y filosofía del Robot b) Antecedentes c) Cyborg y Porthumanismo d) Biobots, Nanobots y otros bots 7.2. Arte y Biología: a) Intersecciones entre arte y naturaleza b) Biología, Política, Arte y Cultura c) Biomedia

Sesión 8. Arte y Tecnociencia en las Instituciones y la Academia

8.1. ¿La brecha entre Arte Contemporáneo y Arte Neomedial? 8.2. Media Art Museos 8.3. Retos Curatoriales y de Conservación 8.5 Nuevas Corrientes de la Historia del Arte.

METODOLOGÍA:

El contenido básico del curso se impartirá a través de materiales docentes (Dossier) facilitados por el profesor, consistentes en apuntes y/o presentaciones audiovisuales de introducción a los conceptos básicos de cada tema. Según la semana y el tema, el contenido del dossier se complementará con lecturas de textos seleccionados, con el visionado de vídeos (entrevistas, documentales, revisiones críticas, etc.) y con referencias y recursos adicionales. En cada caso, se indicará al alumno si son de consulta obligatoria u opcional (en caso de que desee profundizar más en los temas).

A partir de este material, el curso se desarrollará en torno a dos tipos de actividades semanales que podrán alternarse o superponerse en el tiempo, según el caso. Todas ellas se detallarán en la guía semanal de cada tema, indicando pautas, formatos y plazos:

1. Tareas individuales que, en general, consistirán en ensayos, reflexiones críticas o pequeñas investigaciones. Implicarán la entrega de un archivo a través de la plataforma.

2. Tareas colectivas destinadas a compartir conocimientos previos, experiencias, dudas, ideas, etc. entre todos los participantes. Estas actividades de discusión se desarrollarán fundamentalmente a través de foros dinamizados por el tutor, aunque dos de ellas se realizarán por videoconferencia.

EVALUACIÓN:

Todas las tareas – sean del tipo o formato que sean – serán tenidas en cuenta para la evaluación del alumno, respondiendo a criterios de adecuación a las pautas indicadas por el profesor y de calidad de los contenidos en relación a lo estudiado en cada tema. En el caso de las tareas individuales, en los días posteriores a su entrega, el profesor enviará a cada alumno correcciones, comentarios o valoraciones de cada trabajo, acompañados de una nota numérica que permitirá al alumno seguir de forma sencilla su propio avance. En el caso de las tareas colectivas, al final del curso se enviará a cada alumno una valoración global de sus intervenciones, que considerará la calidad de esas intervenciones, el seguimiento de las propuestas de otros compañeros y la interacción con el grupo. Para recibir la constancia es necesario entregar como mínimo 4 de las 5 tareas individuales, participar como mínimo en una videoconferencia, hacer un mínimo de 4 intervenciones en el total de foros.

LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Marisa Gómez

es historiadora del arte, crítica, docente y productora cultural especializada en Arte de los Nuevos Medios y Cultura Digital. Su trayectoria académica incluye una Licenciatura en Historia del Arte, un Máster en «Estudios Avanzados en Historia del Arte» y una beca de formación investigadora en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona y el grupo de investigaciónn «Arte, Arquitectura y Sociedad Digital». Actualmente está optando al grado de doctora en «Historia, Teoría y Crítica de las Artes» (Arte Contemporáneo y Media Art) en la UB. En los últimos años ha llevado a cabo diversas estancias de investigación en Europa y América Latina, y ha participado en múltiples publicaciones especializadas y congresos nacionales e internacionales. Sus actividades de docencia, investigación y formación, incluyen colaboraciones con instituciones culturales como el Centro Multimedia del CNA (México), la Mediateca del Caixafòrum (Barcelona), Nauart – Espacio de Creación (Barcelona), la red internacional de investigación Inter-Disciplinary.net (UK) o Torno Co.Lab (Ecuador). Es co-fundadora y co-editoria de la revista Interartive, Platform for Art and Contemporary Thought (www.interartive.org) desde 2008.

IMPORTANTE: Escribe al correo aulavirtual@tallermultinacional.org para verificar tu inscripción.

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EXPLORANDO LA PERIFERIA. LA FUNCIÓN DE LA PEDAGOGÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

El proceso del arte nos encuentra y reconstruye nuestras experiencias como seres humanos. Existen muchas teorías para explicar cómo el hombre en su quehacer artístico, alcanza niveles superiores de comunicación con él mismo y lo que le rodea, actualmente se han colado en nuestras conversaciones sobre la pedagogía y el arte términos como práctica Social, arte participativa, arte colaborativa, entre otros, dejando en un espacio confuso aspectos relacionados con el rol del artista en la sociedad, la autoría en trabajos participativos y los métodos de trabajar sanamente en una comunidad. Abrir debates y espacios de integración son necesarios para lograr definir y unificar dichos trabajos culturales, sus diferencias y relaciones con la cultura, la sociedad, la estética y la política.

La pedagogía en el arte enfrenta complejidades que rompen los paradigmas existentes sobre la enseñanza y la práctica artística. El artista como docente utiliza procesos pedagógicos para construir significados estéticos que, más allá de alcanzar la perfección académica de la técnica, se convierte en algo más, en una relación con un otro, en un intercambio de saberes; una producción de conocimientos activa que promueve, alimenta y enriquece la mirada crítica y despierta. La pedagogía del arte propone métodos que desmontan la rigidez de los modelos existentes, el artista utilizando estos métodos concibe la obra de arte como algo distinto, utilizando criterios que van más allá de lo técnico.

Este curso busca profundizar en las técnicas de educación presentadas por autores como Luis Camnitzer, Jacques Ranciere, Paulo Freire y Pablo Helguera. Juntos vamos a crear espacios para desaprender, en donde el maestro no se diferencia del alumno sino que ambos, a través de la palabra, encuentran un lugar para aprender juntos.

DIRIGIDO A:

Artistas, investigadores, curadores, educadores y gestores culturales en formación que estén interesados en integrar, investigar y/o cuestionar el rol de la pedagogía en aspectos como la práctica artística, la curaduría y la educación.

OBJETIVOS:

– Ubicar históricamente la inmersión de la pedagogía en las artes.

– Aprender a diferenciar entre los conceptos, técnicas y modalidades en las que se utilizan las artes en modelos participativos.

– Conocer y discutir sobre la convivencia de diversos conceptos derivados de distintas disciplinas orientadas al trabajo de participación social, arte contemporánea y comunidad.

– Conocer distintas perspectivas que entienden, aceptan o no la participación en el arte. Hablaremos de autoría, derechos de autor y de qué es la pieza final cuando se trabaja con participación.

– Aprender a utilizar técnicas y modelos en diferentes circunstancias de trabajo. El ejercicio de un agente de cambio, artista en rol de docente, entre otros.

– La revisión y discusión sobre proyectos actuales. Evaluación de los mismos tomando en cuenta sus elementos, partes y técnicas, así como también sus implicaciones sociales y efectividad.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Diana Rangel
DURACIÓN: Octubre 21 – Diciembre 16 de 2015
INSCRIPCIONES: Hasta 16 Octubre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ
INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO: $4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)
COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO: USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)
**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.
LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Semana 1: Ubicándonos históricamente- Antecedentes

– Ubicar históricamente la inmersión de la pedagogía en las artes. Revisaremos los primeros trabajos hechos y las influencias de dichos artistas.

Semana 2: Influencias y prácticas desde otras perspectivas

– Conocer y discutir sobre la convivencia de diversos conceptos derivados de distintas disciplinas orientadas al trabajo de participación social, arte contemporánea y comunidad. Nos enfocaremos en diferenciar conceptos como arte terapia, antropología visual, etnografía visual, educación artística, arte social, arte participativa, entre otras.

Semana 3: Arte y Pedagogía: Primeras aproximaciones

– Lectura de los pioneros en el área del arte y pedagogía.

Semana 4: La educación para un arte socialmente comprometido

– Aprender a diferenciar entre los conceptos, técnicas y modalidades en las que se utilizan las artes en modelos participativos.

– Hablaremos de la comunidad y los diferentes contextos de trabajo.

Semana 5: Estudio de casos: Documenta 12. Curaduría y Educación.

– La revisión y discusión sobre proyectos actuales. Evaluación de los mismos tomando en cuenta sus elementos, partes y técnicas, así como también sus implicaciones sociales y efectividad.

– Documenta 12 estuvo dedicada a la educación. Es interesante revisar las propuestas ejecutadas a nivel artístico (artista con espectadores) y a nivel curatorial (curaduría pedagógica).

Semana 6: Estudio de Casos: Bienal de Mercosur. Transpedagogías.

– La revisión y discusión sobre proyectos actuales. Evaluación de los mismos tomando en cuenta sus elementos, partes y técnicas, así como también sus implicaciones sociales y efectividad.

– Pablo Helguera tuvo una fuerte influencia en la 8va bienal de mercosur, convirtiéndolo en modelo ejemplar de integración de la pedagogía y las artes.

Semana 7: Estudio de Casos: Otros proyectos.

– La revisión y discusión sobre proyectos actuales. Evaluación de los mismos tomando en cuenta sus elementos, partes y técnicas, así como también sus implicaciones sociales y efectividad.

– Revisaremos proyectos de artistas puntuales, provenientes de Latinoamerica y Europa.

Semana 8: Generando propuestas desde nuestro contexto propio

– La ultima semana nos dedicaremos a generar propuestas e ideas propias.

– Aprender a utilizar técnicas y modelos en diferentes circunstancias de trabajo. El ejercicio de un agente de cambio, artista en rol de docente, entre otros.

METODOLOGÍA:

Revisaremos proyectos artísticos/ curatoriales específicos lecturas de pioneros en el área, para así lograr entrar en conversación sobre el tema, generando opiniones y críticas para saber no solamente ubicar al proyecto o artista en un contexto histórico-conceptual específico, sino también generar ideas y proponer iniciativas desde nuestro propio contexto.

EVALUACIÓN:

La participación del alumno en los espacios que se generen para el diálogo es sumamente importante. No busco dar la información sobre una verdad absoluta, busco que juntos creemos contenido y lleguemos a un acuerdo de acuerdo a opiniones y conceptos contemporáneos. En esta clase el profesor no es superior ni sabe más que los alumnos, es todo lo contrario, investigaremos en el poder de la participación, en lo que somos capaces de hacer juntos. Sucederán actividades semanales que busquen en el alumno cuestionarse sus creencias y sistemas. Los materiales de referencia darán las pautas a seguir, lo conversaremos en el foro semanal, actividades pedagógicas y hangouts.

LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Diana Rangel

Caracas, Venezuela

Nace en Caracas, Distrito Capital, 1987. Reside y trabaja en Caracas como artista e investigadora independiente. Es psicóloga y artista de formación, graduada de la Universidad Central de Venezuela, The International center of Photography de Nueva York y The European Graduate School Suiza en donde realizó un Máster en Artes Expresivas, pedagogía y cambio social .

Su trabajo más reciente, “Persiguiendo al eco de Karl Marx” ha sido elegido para el Premio Eugenio Mendoza 12 más 1, del año 2015. Su trabajo “(Re) torno” ha sido expuesto en dos galerías brasileñas durante el año 2014. “There where you are not” consta de una instalación que fue seleccionada en la XXII Feria Iberoamericana de arte 2013 Salón Mercantil “Guardar Como”. “Colección de Parpadeos”, Libro de artista expuesto en la librería del ICP en Nueva York 2012 y en su Triennal de arte en 2013; El mismo libro ha sido seleccionado por Recontrés de Arles 2013. “Voces de un lugar Imposible” ha sido seleccionado por Photoespana 2012 para ser publicado por la revista Ojo de Pez (España), Tendencia (México), entre otras, en el año 2013. Ha sido merecedora de la Beca Milfred Falk Loew 2011-2012.

Ha realizado trabajos independientes de edición y curaduría en la ciudad de Nueva York. Con editorial III Columns y ha participado en residencias artísticas en Minnesota con The Little Brown Mushroom, editorial de Alec Soth 2013 y TAKT Berlin 2014

Actualmente es fundadora de la asociación civil Círculos de Cultura, asociación dedicada a generar proyectos de arte y pedagogía en Venezuela y Nodoccs, plataforma alternativa de difusión y formación en las artes contemporáneas.

Docente en la Universidad Central de Venezuela, Sanarte, Fotoarte y recientemente Taller Multinacional, México.

Llena el formato de inscripción para recibir la información sobre la forma de pago:

IMPORTANTE: Escribe al correo aulavirtual@tallermultinacional.org para verificar tu inscripción.

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Taller Multinacional en Semana de Arte Contemporáneo SACO 2015 en Antofagasta, Chile

La Semana de Arte Contemporáneo, SACO, se realiza anualmente en la región de Antofagasta, norte de Chile, como una iniciativa independiente del Colectivo SE VENDE Plataforma Móvil de Arte Contemporáneo. Bajo la dirección de Dagmara Wyskiel y la producción de Christian Núñez, busca instaurar un núcleo permanente de reflexión, formación y diálogo sobre arte contemporáneo, en un territorio marcado por un vacío de instituciones dedicadas a tales fines. Centrada cada año en un tema distinto, la cuarta edición del evento está dedicada a construir redes entre institutos y centros de formación en Artes Visuales de Latinoamérica, y a alimentar una semilla en jóvenes de la región interesados en desarrollarse como artistas. Del 23 de agosto al 28 de septiembre de 2015 en el Parque Cultural Huanchaca, SACO4 será un encuentro de docentes de Artes Visuales representantes de plataformas formativas alternativas a los sistemas oficiales, creadas en Ecuador, Cuba, México, Paraguay, Chile, Perú y Uruguay; y, al mismo tiempo, una instancia de creación con estudiantes de tercero y cuarto año de Enseñanza Media provenientes de colegios municipalizados de las regiones de Antofagasta, de Arica y Parinacota, de Tarapacá y Atacama. Con el título Entre la forma y el molde, SACO4 plantea una metáfora sobre la relación que se genera entre quien enseña y quien se forma.

Fernanda Mejía, Directora y co-fundadora de Taller Multinacional se encuentra en Antofagasta, Chile para el encuentro.
http://proyectosaco.cl/fernanda-majia/

Invitados:
http://proyectosaco.cl/invitados/

1. Roberto Huarcaya – Centro de la Imagen, Lima, Perú.

2. Alejandro Turell – Tecnicatura en Artes Plásticas y Visuales, Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, Universidad de la República, Rocha, Uruguay.

3. Saidel Brito – ITAE, Instituto Superior Tecnológico de Artes de Ecuador, Guayaquil.

4. Fernanda Mejía – Taller Multinacional, Ciudad de México, México.

5. Marcos Benítez – Museo del Barro, Asunción, Paraguay.

6. Luis Gómez – ISA, Universidad de Las Artes, Habana, Cuba.

7. Tomás Rivas – Taller Bloc, Santiago, Chile.

+ 84 adolescentes de 3º y 4º medio de Antofagasta, Mejillones, Taltal, Calama, María Elena, Tocopilla, Copiapó, Iquique y Arica.

Programación SACO4

SACO4, Cuarta Semana de Arte Contemporáneo. Entre la forma y el molde.

Parque Cultural Huanchaca, Antofagasta / El Lugar Más Seco del Mundo, Quillagua.

AGOSTO 2015

3, lunes / 16:00 – 20:00 Workshop con artista visual y sonoro, Mario Z.

4, martes / 11:00 – 13:30 y 16:00 – 20:00 Workshop con artista visual y sonoro, Mario Z.

6, jueves / 21:00 horas CONCIERTO DE MARIO Z + THE MUSEO REALMENTE CONTEMPORÁNEO (Alejandro González y Daniel Cerda).

Abierto a todo público.

24, lunes

9:00 – 10:00 Charla sobre el inmueble patrimonial, a cargo de Fundación Ruinas de Huanchaca.

10:00 – 13:00 y 14:30 – 16:00 Talleres (cerrados para el público).

16:30 – 19:00 IDEAS, TÉCNICAS, METODOLOGÍAS – presentación de talleres.

Abierto a todo público. Modera Paulina Quinteros.

16:30 – 16:45 Taller 1: ¿TIENE LA HUMANIDAD UNA POSIBILIDAD DE SOBREVIVIR FINAL

Y EXITOSAMENTE EN EL PLANETA TIERRA Y, SÍ ES ASÍ, CÓMO?

Tomás Rivas / Chile

16:45 – 17:00 Taller 2: DERIVAS, MAPAS Y RECORRIDOS

Fernanda Mejía / México

17:00 – 17:15 Taller 3: YVY: TALLER EXPERIMENTAL DE TÉCNICA ADHESIVA

Marcos Benítez / Paraguay

17:15 – 17:30 Taller 4: BREVE INTRODUCCIÓN AL VIDEO EN EL ARTE

Luis Gómez / Cuba

17:30 – 17:45 Taller 5: DIBUJO, ESPACIO SOCIAL Y CAMPO EXPANDIDO

Saidel Brito / Ecuador

17:45 – 18:00 Taller 6: TALLER DE FOTOGRAFÍA LA CARPA MÁGICA

Roberto Huarcaya / Perú

18:00 – 18:15 Taller 7: NUESTRA IDENTIDAD DINÁMICA

Alejandro Turell / Uruguay

25, martes

10:00 – 13:00 y 14:30 – 16:00 Talleres (cerrados para el público).

16:30 – 18:30 MODELOS ALTERNATIVOS Y EL CUESTIONAMIENTO DE LA FORMACIÓN TRADICIONAL EN ARTES VISUALES – debate abierto. Modera Carolina Lara.

26, miércoles

10:00 – 13:00 y 14:30 – 16:00 Talleres (cerrados para el público).

16:30 – 18:30 EL CUERPO DE LA OBRA 1 – presentaciones de la producción artística de los invitados

Modera Paulina Quinteros.

16:30 – 17:00 Roberto Huarcaya

17:00 – 17:30 Alejandro Turell

17:30 – 18:00 Saidel Brito

18:00 – 18:30 Fernanda Mejía

27, jueves

10:00 – 13:00 y 14:30 – 16:00 Talleres (cerrados para el público).

16:30 – 18:00 EL CUERPO DE LA OBRA 2 – presentaciones de la producción artística de los invitados.

Modera Paulina Quinteros.

16:30 – 17:00 Marcos Benítez

17:00 – 17:30 Luis Gómez

17:30 – 18:00 Tomás Rivas

28, viernes

19:30 INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN “ENTRE LA FORMA Y EL MOLDE” + premiación 2ª edición del concurso MAVI/Escondida.

29 AGOSTO – 15 SEPTIEMBRE 2015

todos los días, 10:00 – 19:00

EXPOSICIÓN “ENTRE LA FORMA Y EL MOLDE”, explanada del Parque Cultural Huanchaca.

6 – 13 SEPTIEMBRE 2015

Residencia extrema de una semana en Quillagua, El Lugar Más Seco del Mundo – convocatorianacional para artistas de Artes Visuales, Nuevos Medios, Fotografía y Danza. Organizan Colectivo SE VENDE y Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

SACO 4
Antofagasta, Chile. 2015.
http://proyectosaco.cl/

PRÁCTICAS CARTOGRÁFICAS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO: APROXIMACIONES A UNA CRÍTICA DE LA REPRESENTACIÓN

Frente a la imposición de los modos de representación del espacio derivados del sistema euclidiano, desde la segunda mitad del siglo XX, han ido apareciendo formas de arte críticas involucradas en procesos de reinterpretación del territorio y el espacio a través de la práctica cartográfica. Esta tendencia se ha ido incrementando con el asentamiento del capitalismo deslocalizado y la llegada de la Época Global, lo que ha dado lugar a la aparición de un nuevo paradigma cartográfico basado en la integración de la diferencia, la deslocalización y la multiplicación de centros.

Se precisa por tanto identificar las lógicas, que según los diversos imperativos históricos, económicos y políticos, subyacen en el dispositivo cartográfico hegemónico, para poder construir una suerte de genealogías con las que definir las diferentes estrategias que propone el arte contemporáneo para subvertir dicho dispositivo. Esta vocación de subversión y profanación, converge a su vez en una Crítica de la Representación: un ámbito transversal de conocimiento que inscribe, de un modo complejo, diferentes perspectivas de análisis en torno a las políticas de representación hegemónicas. Dado la trayectoria más o menos dilatada de esta Crítica de la Representación, podemos identificar diferentes generaciones que han desarrollado sus correspondientes estrategias.

Dada la proliferación de prácticas artísticas, estudios, talleres y proyectos expositivos, desde la esfera artística y la cultura contemporánea, en torno a la práctica cartográfica crítica, se presenta pertinente generar un espacio que permita desarrollar herramientas para poder entender esta producción artística y poder ubicarla epistemológica, política y estéticamente.

DIRIGIDO A:

Artistas visuales, historiadores del arte, arquitectos, geógrafos, antropólogos, urbanistas y otros investigadores en Humanidades y Ciencias Sociales

OBJETIVO:

Los objetivos educativos que del curso Prácticas Cartográficas en el Arte Contemporáneo: Aproximaciones a una Crítica de la Representación, persiguen generar herramientas que permitan analizar la práctica cartográfica desarrollada por artistas contemporáneos, pudiendo ubicar dicha práctica epistemológica, política y estéticamente, así como reconocer los casos en los que se propone un contramodelo de la cartografía hegemónica.

Asimismo, la propuesta de análisis dentro de un marco teórico en relación a una Crítica de la Representación, permitirá abordar el ámbito de conocimientos denominado como “Teoría Estética Contemporánea”, en el cual confluyen tanto la Filosofía, como los Estudios Visuales, la Historia del Arte y otras Ciencias Sociales; así como adquirir una perspectiva crítica posdisciplinar con respecto al dispositivo cartográfico en su contexto global y neocapitalista.

En último término, este curso tiene como objetivo garantizar un conocimiento base en la Historia de la Cartografía, así como en la Teoría e Historia del Arte; además de favorecer la amplitud de posibilidades para pensar y practicar la cartografía.

Al final del curso el alumno será capaz de:
– Manejar un conocimiento base en la Teoría y Estética del Arte Contemporáneo
– Manejar un conocimiento base en la Historia de la Cartografía
– Manejar las diversas genealogías de la práctica cartográfica en el arte contemporáneo
– Abordar la Teoría Decolonial desde la práctica artística cartográfica
– Ampliar el abanico de posibilidades cartográficas

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Diana Padrón Alonso

DURACIÓN: Septiembre 23 – Noviembre 17 de 2015

INSCRIPCIONES: Hasta 16 de Septiembre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: Aproximaciones a una Crítica de la Representación. Introducción al curso. Una genealogía de la Crítica de la Representación. Arte, Cartografía y Crítica de la Representación.

Sesión 2: El Dispositivo Cartográfico. ¿Qué es un dispositivo? ¿Qué es un dispositivo cartográfico? ¿De qué hablamos cuando hablamos de profanar el dispositivo cartográfico?

Sesión 3: Del Rigor en la Ciencia. Breve historia de la cartografía colonial. Crisis de la razón cartográfica.

Sesión 4: Del Rigor en la Ciencia. Profanar la cartografía colonial o una Crítica de la Representación de primera generación

Sesión 5: Del Mapa al laberinto. Rizomas, redes y enjambres en el marco de una nueva economía global.

Sesión 6: Del Mapa al laberinto. Pensar en laberinto o una Crítica de la Representación de segunda generación.

Sesión 7: Ce n’est pas le monde. El mundo es plano: el empobrecimiento de la experiencia en el mundo globalizado.

Sesión 8: Ce n’est pas le monde. Comportamientos cartográficos en el arte contemporáneo como instrumento para una Crítica de la Representación de tercera generación.

METODOLOGÍA:

Este diseño metodológico se articulará durante 8 semanas, desarrollando cada tema en una o dos semanas según necesidades de exposición (ver temario detallado). Durante cada semana, el alumno contará con diversos materiales didácticos en soporte virtual, que serán facilitados por la tutora. Estos materiales consistirán en presentaciones en Prezi, donde se incluirán imágenes de casos de estudio (20 casos por cada presentación), con su correspondientes links para posibilitar el acceso a más información por parte del alumno; documentos de textos correspondientes a las lecturas obligatorias; videos (acceso a través de link); y una bibliografía recomendada de acceso online. Asimismo, se considerará que los alumnos manejen los recursos ofrecidos por plataformas virtuales de cartografía online como Google Maps, Open Street Maps y Meipi.org. Las lecturas que se han propuesto para el curso se corresponde en su mayoría con artículos seleccionados, junto a estas se acompañará una bibliografía recomendada para que el alumno pueda ampliar los contenidos. Además de ello, los alumnos podrán contar con el asesoramiento de la tutora mediante un los foros habilitados en la plataforma del curso y un grupo de diálogo en redes sociales.

El curso ha sido programado desde un enfoque teórico-práctico para posibilitar un aprendizaje creativo y atractivo para el alumno, permitiendo asimismo que pueda abordarse desde diferentes ámbitos disciplinares. De este modo cada semana el alumno deberá entregar una o varias tareas (teóricas y prácticas, según el tema) y participar en una discusión semanal en el fórum (donde presentarán brevemente el ejercicio semanal), que además de contar para la evaluación continua, permitirán ensayar el trabajo final propuesto. Este trabajo final podrá escogerse (sólo en este caso) entre un trabajo teórico o uno práctico. El alumno que escoja realizar el trabajo final en formato teórico deberá desarrollar en 15000 caracteres un análisis desde alguno de los paradigmas cartográficos expuestos durante el curso donde se incluyan 4 casos de estudio (se recomendará escoger el tema desde las primeras semanas para que los ejercicios realizados durante el curso puedan contribuir al desarrollo de dicho trabajo). Por otro lado, los alumnos interesados en presentar un trabajo final práctico se les solicitará una propuesta de acción-intervención cartográfica localizada geográficamente, que puede documentarse en formato libre (fotografía, video, dibujo, registro sonoro), pero al que deberá acompañar de un documento de 5000 caracteres donde deberá incluir: objetivos de la propuesta, fundamentos teóricos y memoria de la acción-intervención.

EVALUACIÓN:

La evaluación que se aplicará durante el curso será cualitativa, valorando la participación semanal en los foros, 7 ejercicios teóricos, 3 ejercicios prácticos y 1 trabajo final (a escoger entre teórico o práctico). Las actividades correspondientes al 80% consistirán en entregar 5 ejercicios teóricos, 2 prácticos y el trabajo final. Las discusiones en los foros y las tutorías online contribuirán a precisar dicha evaluación.

LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Diana Padrón Alonso

(Las Palmas de Gran Canaria, 1984) está Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Laguna. En 2010/2011 realizó el Máster en Estudis Avançats en Historia del Arte en la Universitat de Barcelona, realizando un trabajo de investigación titulado Prácticas cartográficas antagonistas en la Época Global, que fue presentado en el seminario internacional QUAM 2011 Wikpolis, Cartografías y construcciones colectivas del espacio social, organizado por la Universidad de Vic y ACVIC Centre d’Arts Contemporànies. Ha impartido conferencias y sesiones docentes para La Universitat de Barcelona, Escola EINA, Arts Santa Mónica, y Universität für Musik und Darstellende Kunst de Viena. Colabora en revistas de arte y pensamiento contemporáneo como SalonKritk, Interartive, A*Desk y REG|AC (Revista científica de Estudios Globales y Arte Contemporáneo). Trabaja como curadora independiente, dirigiendo diversos proyectos curatoriales como el ciclo de exposiciones y publicaciones Perder el Norte. Ha participado en seminarios de pensamiento contemporáneo organizados por diferentes centros e instituciones internacionales, contando con la dirección de Jacques Rancière, Giorgio Agamben, Walter Mignolo, Néstor García Canclini y George Didi-Huberman, entre otros. Ha recibido formación en el ámbito curatorial por parte de curadores internacionales como Cuauhtemoc Medina, José Roca, Maria Hlavajova, Maria Inés Rodriguez, Beatrice von Bismark, y Carles Guerra, entre otros. Ha participado también en talleres dirigidos por artistas y colectivos como Domenec, Iconoclacistas, Todo x La Práxis, Straddle3, Raumlabor, Santiago Cirugeda, Nicolas Malevé, Maria Ptqk, Imogen Stidworthy, Regina de Miguel, Nina Fischer & Maroan el Sani, Société Réaliste, Elena Reygadas, Benjamin Mayer y Abraham Cruzvillegas. Desde 2011 colabora en la coordinación del grupo de investigación Art Globalization Interculturality (AGI/ART: 2014SGR 1050) y el proyecto Cartografía Crítica del Arte y la Visualidad en la Era Global: Nuevas metodologías, conceptos y enfoques analíticos(Proyecto I+D MICINN: HAR2010-17403 /MINECO: HAR2013-43122-P), dirigidos por Anna María Guasch en la Univesitat de Barcelona. Desde 2011 desarrolla su tesis doctoral sobre la práctica cartográfica en el arte contemporáneo, bajo la dirección de Martí Peran. Entre 2013 y 2014 fue investigadora residente en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) desarrollando una investigación sobre la Colección MACBA, con la colaboración del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM). Ha colaborado en diferentes proyectos colectivos con la productora cultural Idensitat, como Dispositivos Post. Prácticas artísticas y redes de acción ciudadana en contextos post-crisis (2014), Translocaciones. Experiencias temporales, prácticas artísticas y contextos locales(2014-2015) y Espacios Zombi (2015). Actualmente es co-editora de la revista REG|AC (Revista científica de Estudios Globales y Arte Contemporáneo); coordinadora de la plataforma On Mediation. Platform on Research and Curatorship y tutora en el Taller Multinacional AV.Llena el formato de inscripción para recibir la información sobre la forma de pago:

IMPORTANTE: Escribe al correo aulavirtual@tallermultinacional.org para verificar tu inscripción.

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GESTIÓN CULTURAL: UNA MIRADA DESDE LAS ARTES VISUALES Y OTRAS PRÁCTICAS ARTÍSTICAS

La gestión cultural es la práctica sistemática y estratégica que facilita interrelaciones entre los distintos eslabones de la cadena de valor de la cultura: enseñanza, creación, producción, difusión, comercialización, consumo. Dicha práctica requiere de una distribución adecuada de funciones acorde con la especialización de cada agente involucrado. Es necesario que los creadores, en tanto base de la cadena de valor, tengan una comprensión adecuada de su relación con otros profesionales del sector (productores, curadores, administradores, distribuidores, etc.), así como del contexto político, social, jurídico y tecnológico que influye directamente en su trabajo.

Por otro lado, resulta estratégico para los artistas comprender la manera en que la gestión cultural aporta a su labor particular y tener un manejo básico de conceptos, metodologías y herramientas de gestión que permitan optimizar su participación en la cadena de valor.

Finalmente, tanto en la gestión de la cultura como en la práctica artística debemos tener en cuenta que los lenguajes visuales constituyen un elemento determinante en las sociedades contemporáneas. Su influencia resulta clave en los procesos de gestión de la cultura, por lo que es crucial analizar las asociaciones que pueden tener ambas disciplinas.

DIRIGIDO A:

– Estudiantes y creadores de las artes visuales.

– Artistas en general.

– Responsables de proyectos culturales.

OBJETIVO:

Acercar a los participantes algunos conceptos y herramientas básicas de gestión para empoderar su participación en la cadena de valor de la cultura.

Al final del curso el estudiante será capaz de:

– Identificar en el contexto social, cultural y político algunos elementos determinantes para su labor como creadores y gestores.

– Comprender algunos conceptos básicos de la gestión de la cultura (sectores, agentes, políticas, mercado, planificación).

– Conocer herramientas útiles para su labor como agentes culturales (proyectos, plan de mercado).

– Proponer estratégicamente sus relaciones con otros agentes de la cadena de valor (gestores culturales, productores, promotores, públicos).

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Juan Francisco Segovia
DURACIÓN: Septiembre 23 – Noviembre 17 de 2015
INSCRIPCIONES: Hasta 16 de Septiembre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ
INFORMES: info@tallermultinacional.org

TEMARIO DETALLADO:

Estos cuatro temas serán distribuidos a lo largo de ocho sesiones:

Tema 1: La cultura en el contexto contemporáneo

– Conceptos de cultura y definición de cultura como ámbito de gestión

– Identidad y cultura

– Políticas culturales: definición, agentes involucrados, niveles de aplicación

Tema 2: Sectores y profesiones de la cultura

– Los sectores de la cultura

– Las profesiones de la cultura

– Concepto de gestión cultural

– El gestor cultural como mediador entre el creador, el mercado y los demás agentes culturales

Tema 3: La gestión de las artes visuales (y otras prácticas artísticas)

– El marco legislativo de las prácticas artísticas

– Relación entre artes e industrias culturales

– El proyecto cultural y el proyecto artístico

Tema 4: El mercado de la cultura

– La cadena de valor de la cultura

– El marketing cultural y el “marketing mix”

– El marketing de las artes visuales (y otras artes)

METODOLOGÍA:

El curso se desarrollará a través de una plataforma virtual en base de la interacción constante del participante con sus compañeros y con el tutor. La participación semanal de los estudiantes en el foro será obligatoria durante las ocho semanas que dura el curso.

Durante su desarrollo se propondrá algunos conceptos y su aplicación práctica sobre un proyecto real del estudiante.

Cada semana se cargará en la plataforma nuevo material para la revisión de los estudiantes, ya sea en texto impreso, audiovisual, links de interés, etc. De igual manera, a través de una guía semanal, el profesor propondrá tareas e intercambios grupales.

Se ha dividido el contenido del curso en cuatro unidades complementarias y cronológicas que evolucionan desde el análisis conceptual hacia la aplicación práctica de conceptos.

El trabajo de los estudiantes incluye distintos tipos de actividad y será propuesto por el tutor semanalmente a través de una guía:

– Lectura de textos y material audiovisual (todas las semanas)

– Espacio de interacción virtual (foros de discusión)

– Investigación bibliográfica y de campo

– Ejercicios de análisis y síntesis

– Aplicación práctica de herramientas

EVALUACIÓN:

La evaluación de la participación de los estudiantes en la asignatura se distribuirá de la siguiente manera:

– Participación permanente en el foro virtual: 27%:

– Trabajos de análisis y síntesis conceptual (ensayos): 29%

– Otras actividades de desarrollo de conocimiento (tablas, definiciones): 18%

– Ejercicios prácticos de aplicación de conceptos: 26%

LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Juan Francisco Segovia

Licenciado en Gestión Para el Desarrollo Local por la Universidad Politécnica Salesiana (2010). Master Oficial en Gestión Cultural e Industrias Culturales por la Universitat Oberta de Catalunya (2013). Tiene formación en Diseño y Gestión de Proyectos Escénicos en el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT, 2011) y de Diseño y Evaluación de Proyectos por el Ministerio de Relaciones Laborales del Ecuador. Es Director de “ArteFacto – proyectos creativos”, colectivo que desarrolla proyectos de índole comunitaria y colaborativa y gestión y producción artística. Premio a la Residencia e Intercambio Cultural, Ministerio de Cultura del Ecuador 2009 con el proyecto “Ritmo en la Comunidad. Black Rock Arts Foundation Grantee, (EEUU, 2012) con el proyecto “Valla con Música”. Fue Coordinador General (2008 y 2009) del Festival Internacional de Teatro Experimental de Quito y Guayaquil (FITE-Q/G). Actualmente está a cargo del área de Mediación Comunitaria del Centro de Arte Contemporáneo de Quito, donde desarrolla proyectos artísticos de tipo colaborativo.

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TEXTOS Y MUSEOS. COMUNICACIÓN Y APRENDIZAJE

El desarrollo del enfoque educativo en los museos ha redefinido su función como centros, que no solamente estudian, resguardan y exhiben, sino donde suceden procesos de relación, colaboración e integración. Esta reorganización responde a un modelo interdisciplinario de diálogo tanto al interior del museo como con su público. Así, el planteamiento museográfico involucra desde el aspecto arquitectónico, técnico y expositivo hasta el comunicativo y educativo: Una exposición no se proyecta sólo como un conjunto de vitrinas que exponen objetos y modelos, sino como el espacio que permite descubrir contextos y significados que van más allá de la propia materialidad de lo expuesto. Este seminario aborda el texto como una de las herramientas básicas que intervienen en el recorrido de una exposición, entendiéndose este acto como comunicativo y educativo, es decir, como constructor de sentidos. El sistema cedulario, los recursos museográficos de apoyo y los materiales educativos de los museos tienen, entre otros propósitos, facilitar y mediar los procesos de comprensión, interpretación y contextualización en relación a los hechos y objetos.

DIRIGIDO A:

Museógrafos, comunicólogos, educadores, gestores culturales, profesionales de los museos de arte y estudiantes interesados en los aspectos de comunicación y educación de las propuestas expositivas.

OBJETIVOS:

El propósito principal de este curso es que el estudiante realice investigación educativa en recursos museográficos pedagógicos escritos, bajo lineamientos específicos de accesibilidad, comunicación, aprendizaje y relación; a la par de desarrollar los contenidos y recursos de un programa aplicable a sus intereses o en su área profesional.

– ¿Cómo desarrollar contenidos educativos de las propuestas expositivas sin sustituir ni competir con lo expuesto, y mucho menos, subestimando al público?

– ¿Cómo promover el aprendizaje a través de los objetos usando el lenguaje?

– ¿Cómo ofrecer posibilidades de lectura que apoyen la experiencia significativa del visitante?

| FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES |

IMPARTE: Nayeli Zepeda
DURACIÓN: Septiembre 23 – Noviembre 17 de 2015
INSCRIPCIONES: Hasta el 16 Septiembre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ
INFORMES: info@tallermultinacional.org

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: Reflexiones iniciales y marco general del curso

– Introducción al curso
– Tendencias museológicas en práctica
– Texto como recurso y el museo como texto

Sesión 2: Qué, cómo, desde y para quiénes

– Proceso de escritura
– De los mecanismos de lectura a la construcción de significado
– Visitantes/lectores

Sesión 3: Marco de comunicación

– Dimensión representacional
– Dimensión organizacional
– Dimensión interaccional

Sesión 4: Marco de interpretación y mediación

– Narración como estrategia de comunicación y mediación
– Método Feldman de Crítica de Arte
– Preguntas como estrategia de mediación
– Interpretación como experiencia

Sesión 5: Textos de museos I. Del guión científico y curatorial a las cédulas

– Sistema cedulario. Tipología y funciones de textos en museos
– Características generales de contenido y diseño
– Legibilidad y accesibilidad

Sesión 6: Textos de museos II. Herramientas para el diálogo, la vinculación y el aprendizaje

– Recursos museográficos de apoyo
– Recursos educativos impresos
– Recursos de evaluación de experiencias

Sesión 7: Lineamientos y guías de evaluación

– Tabla de evaluación scripto-visual
– Las 6 reglas de George Orwell
– Otros: Teoría de los Faros, Método Fry, Método Ekarv, etc.

Sesión 8: Laboratorio de proyectos

– Presentación y revisión de proyectos finales
– Cierre del curso

METODOLOGÍA:

Durante 8 semanas, en este seminario de carácter teórico-práctico, se trabajaran distintas formas de usar el texto escrito como la herramienta básica de la comunicación en los museos, transfiriendo su sentido al desarrollo de contenidos de un programa educativo e interactivo.

La metodología del curso parte de un marco teórico que permitirá iniciar diálogos, críticas, trabajo individual y colaborativo, para retomar las herramientas útiles y adecuadas al objeto de interés personal/profesional. Se utilizarán los siguientes recursos:

Lecturas: Bibliografía para informar al participante y ubicarlo dentro del contexto temático.
Material de apoyo: Recurso de información que concentra el contenido de las temáticas, diseñado específicamente para el curso.
Foros: Espacio para el análisis, crítica y reflexión compartida entre el tutor y los alumnos.
Tablero o board colaborativo: Recopilación en línea de imágenes y videos de ejemplos de nuestra herramienta museográfica (diversos tipos de cédulas, hojas de sala, citas en muros).
Entregables: Incluyen ejercicios prácticos de análisis de casos existentes y otros desarrollados por los propios estudiantes.
Proyecto final: Trabajo que comprende la información, herramientas, aplicaciones y reflexiones realizadas a lo largo del curso. Desde la primera semana se iniciará con este proyecto.
Asesorías por medio del Aula Virtual, Skype o G+ Hangout.

EVALUACIÓN:

La calificación corresponderá a 60% de las actividades semanales (participación en foros y entregables), y 40% el trabajo final (desarrollado a lo largo del curso).

Es requisito indispensable para aprobar el curso cumplir con el 80% de las actividades de cada módulo.

LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Nayeli Zepeda

Historiadora del arte por la Universidad Iberoamericana (México) y maestra en museografía interactiva por la Universitat de Barcelona (España). Coordinó el área de investigación y recursos didácticos del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) por 4 años, donde estableció la metodología de investigación educativa del museo, además de llevar a cabo curaduría pedagógica, desarrollo de contenido y producción de materiales para maestros, estudiantes y visitantes en general. Ha impartido clases en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey (ITESM) y en el Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey (CEDIM), e igualmente es tutora del curso “Introducción a la Curaduría y Museografía Educativa” del Aula Virtual Taller Multinacional. Ha publicado en Discurso Visual del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas (CENIDIAP), Transferencia del ITESM, y en otros medios independientes de divulgación. Desde 2011 trabaja de manera independiente en el ámbito museístico y cultural, colaborando con instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Museo de Arte de Sonora, CONARTE, CONACULTA, Courseworld, Art21, Bellevue Arts Museum. Es co-fundadora de NodoCultura (arte y patrimonio cultural como procesos de aprendizaje, colaboración y relación con el entorno), iniciativa colaborativa que desarrolla investigación y dinamización de proyectos y espacios museísticos, culturales y educativos.

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Miguel Rodríguez Sepúlveda invitado en «Play Eat & Play Drink» de XOLO Bar.

Miguel Rodríguez Sepúlveda, co-fundador de TM, en la 10ma Bienal Do Mercosul, Porto Alegre, Brasil

Este 2015 es la décima edición del encuentro, titulada Mensajes desde una nueva América. Esta emisión el objetivo es «volver a escribir la historia del arte latinoamericano desde una perspectiva no eurocéntrica», informó la organización a través de un comunicado. La Bienal incluye más de ochocientas obras que van desde el siglo XVII hasta el arte contemporáneo.

Uno de los artistas invitados es Miguel Rodríguez Sepúlveda, miembro activo y co-fundador de Taller Multinacional.

Bienal do Mercosul
www.fundacaobienal.art.br

CÓMO ABORDAR LA ESCRITURA DE UN PROYECTO DE ARTE DESDE EL PROCESO CREATIVO

Este curso revisa de manera crítica lo que es “ser-artista” y el origen de la obra de arte en nuestra época contemporánea; en una época donde la creación se ve atravesada por una institucionalización: solicitud de becas, patrocinios, textos curatoriales; el acto de crear una obra se ve estrechamente relacionada a la escritura de un proyecto. La intención de este curso es de-construir el proyecto para adentrarnos a la experiencia originaria del acto de creación. El proceso de desconstrucción del proyecto consistirá en que el participante a través de realizar una bitácora buscará reconstruir o dar cuenta de una nueva imagen del proyecto. De dicha manera la estructura de la clase esta planteada en dos partes, la primera consiste en la discusión de lecturas y la segunda parte está dedicada a la experimentación plástica y realización de la bitácora. Al finalizar el taller se espera que el participante tenga una bitácora del proceso como el proyecto re-escrito.

DIRIGIDO A:

Dirigido a estudiantes y artistas de artes visuales que tengan proyectos en proceso o que no hayan sido aceptados en alguna convocatoria.

OBJETIVO:

Al final del curso el alumno será capaz de:

– Re-estructurar proyectos artísticos en procesos, inconclusos o que no fueron aceptados en convocatorias.

– Poder abordar la escritura del proyecto a partir de la construcción de imágenes poéticas.

– A partir de crear un equilibrio entre la práctica y la teoría se busca de-construir el proyecto para develar tanto la estructura gramatical y narrativa como también las experiencias significativas que dieron origen al acto creativo.

– Realizar una bitácora donde se registren a través de imágenes y escritos las experiencias originarias del proyecto.

– El alumno será capaz de generar un pensamiento autocrítico hacia su proceso creativo en el momento de redactar un proyecto.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES | INGRESO AULAVIRTUAL

IMPARTE: Martín Kanek Gutiérrez Vásquez
DURACIÓN: Agosto 12 – Octubre 6 de 2015
INSCRIPCIONES: Hasta el 5 Agosto de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ

INFORMES: info@tallermultinacional.org

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: La modernidad y la imagen del mundo actual.
Poder identificar el problema del proyecto presentado a partir de empezar a resaltar lo importante de este.
Aproximase a los conceptos fundamentales de la modernidad y como están relacionados con la necesidad de redactar proyectos en nuestra época.

Sesión 2: El ritmo y el caos
Poder desmembrar el proyecto en palabras, sensaciones, garabatos con el objetivo de concebir el inicio del la escritura del proyecto como una secuencia de ritmos caóticos.
Analizar los conceptos de ritmo y caos propuestos por Octavio Paz y Gilles Deleuze.

Sesión 3: El caos y las imágenes
Crear un archivo de imágenes que consiste en concebir la escritura del proyecto como una secuencia de imágenes, que empezarán a dialogar entre ellas.
Aproximase a diferentes definiciones filosóficas sobre la imagen propuestos por Octavio Paz, Gilles Deleuze y W.J.T Mitchel.

Sesión 4: Logos y la construcción del sentido
Redactar un párrafo a partir del archivo de imágenes realizados en la sesión anterior.
El participante tiene como objetivo dar cuenta en un párrafo escrito lo que su archivo de imágenes dice.

Sesión 5: La mancha y el acontecimiento
Realizar bocetos o primeros gestos plásticos que ilustren el párrafo escrito en la sesión anterior.
Aproximase a los conceptos psicoanalíticos: “mancha” y “acontecimiento”.

Sesión 6: La sospecha y la obra de arte.
Continuar con la realización de bocetos o primeros gestos plásticos que ilustren el párrafo escrito en la sesión anterior.
Revisar la función que tiene la obra de arte en relación con el espectador, teniendo en cuenta el concepto de “sospecha” del teórico Boris Groys.

Sesión 7: La repetición y diferencia
Redactar el texto del proyecto a partir de los experimentos plásticos y de escritura realizados con anterioridad.
Analizar los conceptos de repetición, diferencia y nuevo, propuestos por Gilles Deleuze y Boris Goys.

Sesión 8: Conclusiones
Revisar las bitácoras y los proyectos con el fin de visualizar las transformaciones que se dieron en el curso.

METODOLOGÍA:

– Realizar ejercicios de experimentación plástica y de redacción que en su conjunto conformen una bitácora que de cuenta de las experiencias originarias del proyecto. Las bitácoras se plantean como soportes virtuales: infografías, video-blog, presentaciones o de carácter físico como: dibujos, collage, pintura.

– A la par se revisarán y discutirán lecturas de tipo filosófico y teórico que reflexionan sobre los procesos sensitivos e intelectuales que atraviesan al artista en su creación. Se leerán autores como: Octavio Paz, Gilles Deleuze, Martin Heidegger, Jacques Lacan y Boris Groys.

– También se presentará semanalmente películas que buscan dialogar con las lecturas, con el objetivo de poder encontrar una versatilidad en la compresión del tema tratado.

– Se darán asesorías por medio de Skype o Hangout para dar seguimiento a los proyectos de cada participante. En dichas asesorías se dialogará sobre el proceso de creación del participante tratando de vincularlo con las lecturas y películas revisadas en clase.

– Se crearán un foro de discusión para comentar, discutir y analizar las lecturas y películas revisadas en cada tema.

– Habrá un foro donde se pueda compartir con los demás integrantes del curso los avances de la bitácora y del proyecto, el objetivo es crear un espacio de dialogo y retroalimentación entre los participantes.

LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Martín Kanek Gutiérrez Vásquez

Nace en la Ciudad de México el 14 de diciembre de 1987. En agosto del 2014 finalizó sus estudios de posgrado en la Maestría en Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. Es titulado en Artes Visuales por la Escuela Superior de Artes de Yucatán (ESAY) -2005-2010-. Fue becario del Programa de Becas para Estudios en el Extranjero FONCA-CONACYT, emisión 2012 y 2013 para realizar sus estudios de posgrado. Actualmente es profesor de asignatura del Taller de Artes Visuales I en la Universidad Autónoma de la Ciudad de México. También se ha desempeñado como docente externo en la Escuela Superior de Artes de Yucatán, entre sus talleres se encuentra: La sombra del proyecto (2015, Mérida, Yuc. México), El acto creativo: poética y técnica (2013, Mérida, Yuc. México). Ha realizado cuatro exposiciones individuales, entre las que destacan: III: Caminos y recorridos en la galería Frontground / Manolo Rivero Manolo Rivero (2011, Mérida, Yuc.), Braata en Laboratorio Dzitya ( 2006, Mérida, Yuc). Entre las exposiciones colectivas destacan; Rellena 3 (2014, Bogotá, Colombia), La Noche en Blanco (2014, Bogotá, Colombia), Arte Joven en Yucatán, en la Galería del Yucatán Country Club (2012, Mérida, Yuc. México), Atelier Romo –Estrategias- en la galería Frontground / Manolo Rivero (2012, Mérida, Yuc. México), Paisajes Reversos en la galería Frontground / Manolo Rivero Manolo Rivero (2011, Mérida, Yuc. México) Cutting Edge: Al limite en el Centro de Artes Visuales (2011, Mérida Yuc. México), Migraciones en La Chambre Blanche (2009, Quebec. Canadá), XIII Muestra Internacional de Videoperformance “Accidentes Controlados”, Ex Teresa Arte Actual (2008, Cd. de México); I Premio de Arte Joven de Artes Visuales Yucatán –selección- (2008, Mérida, Yuc. México). También fue seleccionado para participar en el Atelier Romo en Front Ground (2012, Mérida, Yuc. México), La Chambre Blanche (2009, Quebec. Canadá) como residente durante un mes y medio. Asistió a la clínica sobre arte contemporáneo impartido por Raimundas Malasauskas en la Colección Jumex (2009, Ciudad de México).

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EL ARTE DEL SIGLO XX EN MÉXICO: ACERCAMIENTOS CRÍTICOS

A lo largo del siglo XX, México experimentó importantes transformaciones respecto al modo en que se entendió la producción artística. Dicha historiografía ha sido articulada desde distintos lugares y premisas. Desde principios de los años noventa hasta la fecha, se han promovido nuevas lecturas y acercamientos a los momentos “destacados” del arte de México. El presente curso otorgará herramientas para que los alumnos reconozcan los contextos, situaciones, canales institucionales de los diversos discursos y argumentos de la producción del arte. Asimismo, serán capaces de observar histórica y críticamente el lugar en el que se encuentran las artes visuales contemporáneas y la práctica artística del México de hoy.

DIRIGIDO A:

Artistas, estudiantes y profesionales del arte y la cultura, así como de otras disciplinas interesados en los problemas contemporáneos del arte.

OBJETIVOS:

– Analizar los contextos, situaciones, canales institucionales de los diversos discursos y argumentos de la producción del arte.

– Observar histórica y críticamente el lugar en el que se encuentran las artes visuales contemporáneas y la práctica artística del México de hoy.

– Estudiar las posturas ideológicas de los artistas, para conocer su propia forma de comprender la práctica artística.

– Otorgar un panorama general del modo en que actualmente son entendidos los momentos más significativos del arte de México del siglo XX.

– Proporcionar herramientas para que los alumnos puedan profundizar en el aspecto histórico de su interés.

SEMINARIO ONLINE |FORMATO DE INSCRIPCIÓN|PREGUNTAS FRECUENTES|INGRESO AULAVIRTUAL

IMPARTE: Clara Bolívar Moguel
DURACIÓN: Agosto 12 – Octubre 6 de 2015
INSCRIPCIONES: Hasta el 5 Agosto de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: Hacia otra historia del arte de México: principales líneas de la historia del arte tradicional en México y su problemática.

Sesión 2: Las implicaciones del nacionalismo cultural posrevolucionario en el arte: Muralismo / “Escuela Mexicana de Pintura” / Rivera, Orozco, Siqueiros

Sesión 3: Movimientos estético – políticos en México de la primera mitad del siglo: Vanguardia en México / Estridentismo / LEAR / TGP / Leopoldo Méndez

Sesión 4: Narrativas en pequeño: Pintores no oficiales / Pintura de caballete / Surrealismo en México / Rufino Tamayo

Sesión 5: La llamada “Ruptura”, o como prefiere llamarla Vicente Rojo, la “Apertura”: La Cortina del Nopal / Propuestas pictóricas desde otras miradas

Sesión 6: Dos décadas de arte independiente. México después del 68: Salón Independiente / Gráfica del 68 / Los Grupos / Neomexicanismo

Sesión 7: El arte de México ante el neoliberalismo. Los espacios independientes / Nuevo arte conceptual / Gabriel Orozco

Sesión 8: Conclusiones y presentación de trabajos.

METODOLOGÍA:

A lo largo del curso los alumnos realizaran lecturas de textos críticos y escritos de artistas de los diversos periodos. A partir de ello, realizarán ejercicios (guiados por una serie de preguntas) en los cuales se familiarizarán con los contenidos y observarán los principales puntos de análisis propuestos por cada uno de los autores.

EVALUACIÓN:

La calificación corresponderá un 50% a las tareas y un 50% al trabajo final (Investigación individual seleccionada por el alumno: Letra Arial, punto 12, doble espacio entre líneas, título y nombre completo del autor, 15 cuartillas máximo con notas e ilustraciones).

LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Clara Bolívar Moguel

(Ciudad de México, México, 1986)

Es maestra en Historia por la Universidad Iberoamericana y cursó la licenciatura en Ciencias de la Cultura en la Universidad del Claustro de Sor Juana. También tiene estudios en Fotografía, Arte y Sociología. Ha participado en diversos proyectos académicos y museológicos sobre Historia, Arte y Cultura de México. Fue asistente curatorial y de investigación en el espacio expositivo Celda Contemporánea. Tuvo a su cargo la jefatura de Planeación Educativa en el Museo Colección Blaisten, del Centro Cultural Universitario Tlatelolco de la UNAM. En el Museo Nacional de Arte del INBA perteneció al equipo de coordinación editorial. Asimismo, fue investigadora y parte del equipo curatorial en el área de exposiciones temporales, primero en el MUNAL y posteriormente en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

En 2013 fundó con Daniel Bolívar el Archivo EBS, un proyecto que preserva, investiga y difunde la fotografía amateur en México desde una perspectiva histórica. Actualmente colabora en la revista digital gastv.mx y en la Coordinación Nacional de Artes Visuales del INBA.

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